C'est en 1964, dans un article anonyme du magazine Time que le terme « op art » fut utilisé pour la première fois. A New York, en 1965, l'art optique connut une reconnaissance internationale avec l'exposition du MoMA de New York intitulée « L'œil réceptif ». Mais cette tendance apparaissait partout dans le monde. Les tableaux présentaient des surfaces traitées de manière graphique qui déclenchaient des réactions visuelles extraordinaires chez le spectateur. Ambiguïtés spatiales et sensations de mouvement étaient engendrées par divers procédés, dont la manipulation de dessins géométriques et éventuellement juxtaposition de couleurs intenses. Cette exposition artistique, organisée par William G. Seitz, influença la popularisation de l'op art aux États-Unis et en Europe.

L’art optique apparaissait comme une menace en 1963. L'op art ne prétendait véhiculer aucune signification, ne se référait à aucune « profondeur », la psychologie et la sensibilité, la culture littéraire de l’auteur s’effaçant totalement, l’œuvre ne solliciterait pas l’esprit du spectateur mais son corps ! Et pourrait même (oh ! scandale !) flirter avec le décoratif, le ludique et la mode… De ce fait ce mouvement reçut un accueil critique très mitigé. Mais la valeur s’était déplacée sur l'expérience perceptive, et c’était essentiel. Le caractère déstabilisant de ces œuvres mettait le spectateur, son corps, au centre, et c'était surtout cela qui était novateur. Ce que voulait d'ailleurs Bridget Riley dès 1963. L’art optique par tous les déplacements qu’il opérait dans les habitudes du monde de l’art eut un impact immédiat parce qu’il correspondait à un vaste mouvement de fond. Il fut, parmi d’autres tendances et mouvements artistiques, ce qui déclencha l’idée d’une rupture, dans les années 1960, qu’il fallait nommer « art contemporain ».